カナダと日本にルーツを持ち、繊細な歌声と詩情豊かな音楽性で知られるシンガーソングライターのジョナ・ヤノ（Jonah Yano）。2027年1月29日には、約2年ぶりとなる4thアルバム「Spin」のリリースを控える彼が、11月初旬、東京・代々木八幡の文化複合施設「ヴァカント センター（Vacant/Centre）」で映像インスタレーション作品「ピアーソン（Pearson）」を発表した。
本作は、カナダ・バンクーバー島の大自然を舞台に、ジョナが音楽を紡ぎ出した1週間のアーティスト・レジデンシー（滞在制作）を追体験するプロジェクトだ。発起人は、ジョナの友人でクリエイティブ・ディレクターのマイキー・クシザノフスキー（Mikey Krzyzanowski）で、彼がジョナの音楽から得た感動を、「自由に創作できる環境を提供することで、本人へ還元したい」という想いで企画したという。そして、マイキーが主宰するクリエイティブスタジオ「オープン！（open!）」のサポートのもと、「ステューシー（STUSSY）」のアートディレクターであるブロック・マッケイ（Brock MacKay）をはじめ、「Y-3」や「バーバリー（BURBERRY）」などの作品を手掛けてきた映像監督のフランシス・プラマー（Francis Plummer）、フランシスの長年の共同製作者である撮影監督のロビー・コラル（Robbie Corral）らが参加。バンクーバー島の壮大なロケーションと、そこで流れる穏やかな時間、そして音楽が重なり合う映像作品へと昇華させた。
しかし、興味深いのは、このプロジェクトが当初から発表を目的としていたわけではないということだ。SNSでの反応や商業的な成果が、制作過程や作品のあり方に少なからず影響を及ぼす現代において、彼らはあえて明確なゴールを設けず、純然たる創作のための時間と場所を共有したのである。では、なぜ彼らは「ピアーソン」として形に残し、その先に何を見出したのか。ジョナとマイキーの二人に話を聞いた。
見返りを求めない、友人としてのプロジェクト
──まずは、お二人が初めて出会ったときのことから教えてください。どのようなきっかけで知り合い、交流を深めていったのでしょうか？
マイキー・クシザノフスキー（以下、マイキー）：たしか、2年前くらいだったかな？ジョナのとの最初の接点は彼の作品だったんだけど、初めて聴いたときに圧倒されたんだ。特に前作のアルバム「Jonah Yano & The Heavy Loop」は、驚くほど綿密に作り込まれていて、音楽をまるで細い線を描くような筆使いで表現しているにもかかわらず、聴く人の心を深く揺さぶる力がある。感情を過剰に伝えようとするようなサウンドよりも強く心に響いて、人生でそんな感覚を覚えたことはなかったし、これからも滅多に経験できることではないと思う。それからしばらくして、共通の友人がメッセージを通じて紹介してくれたんだ。
ジョナ・ヤノ（以下、ジョナ）：ありがとう！僕のマイキーに対する第一印象も話していいかな？今の時代、会ったことがない相手に対しても電話で話をしたり、メッセージのやり取りをしたり、SNSを覗いたりすることで、実際に顔を合わせる前から人物像がある程度イメージできると思うんだ。そして僕らの場合は、プロジェクトのためにバンクーバー島へ向かう直前に初めて会ったんだけど、想像していたより何倍も人間性が素敵で、本当にびっくりしたんだよね。そんなことって、なかなかないから（笑）。
──今回のプロジェクトは、マイキーがジョナへ創作の環境を還元したいという想いからスタートしています。単なる制作依頼ではなく、大自然でのアーティスト・レジデンシーを提供したのはなぜですか？
マイキー：ジョナの音楽には、それだけの価値があると思ったからだね。世界に向けて、彼がもっと自由に音楽を作るためにアーティスト・レジデンシーを企画したんだけど、アイデアは君と電話で話しているときに生まれたんだっけ？
ジョナ：最初にアイデアを出したのはマイキーだったと思うよ。でも、そこからみんなで意見を出し合いながら、少しずつ具体的な形になったね。
マイキー：そうだった！それで、「日本とカナダ、どっちがいい？それとも、ほかに希望の場所はある？」って聞いたら、ジョナは迷わずカナダと答えたんだよね。そこで、このプロジェクトの方向性を理解してくれる人物として真っ先に頭に浮かんだのが、僕が最も信頼している友人のブロック・マッケイだったんだ。彼は普段「ステューシー」でアートディレクターを務めているんだけど、今回のプロジェクトにも“純粋な情熱だけで取り組む個人的なアートディレクター”として参加してくれて、プロジェクトに合う雰囲気やトーンのバンクーバー島のロケーションを見つけてくれたのも彼だね。
──ジョナさんは、初めてバンクーバー島に足を踏み入れた際、率直にどう感じましたか？また、島では制作漬けの日々だったのか、それともリラックスした環境の中で自然と音楽が生まれていったのでしょうか？
ジョナ：まず、質問の前半について答えると、初めてあの場所に足を踏み入れたとき、すごく親しみを感じたんだ。というのも、すぐ近くではないけれども十分に近いところで育ったから、見慣れた風景によく似ていたんだよね。でも同時に、自分が育った場所の風景をこれ以上ないほど美しくしたようなロケーションだったから、ものすごく驚かされもした。だから、初めて見る新鮮さと、昔から知っているような懐かしさが同時に感じられる、不思議な場所だったね。
後半の質問は、まるでサマーキャンプのような日々だったよ。僕だけが集中して制作に取り組むというよりも、みんながリラックスした雰囲気の中で、それぞれの役割を持ちながら、ひとつの作品を一緒につくり上げていく感覚だったね。僕の役割は音楽を作ることだったけど、マイキーはプロデュースや全体の進行を取りまとめてくれて、ブロックはロケーション探しをはじめ、さまざまな面で協力してくれた。そして、フランシス・プラマーが映像監督を、ロビー・コラルが撮影監督を務めてくれたり、ほかにも多くの人たちが関わっていたからね。
マイキー：本当に、学校のクラスメイトみんなでひとつの課題に取り組んでいるようなムードだったよね。その中で、映像作品を作ることは最初から決まっていたわけではなかったんだ。でも、フランシスが写真を撮りにバンクーバー島へ来ることになったのをきっかけに、「映像も作れるんじゃないか」と話が広がり、さらに「それを上映する展覧会もできるんじゃないか」と発展していった。そうして生まれたのが今回の「ピアースン」であり、ジョナの次のアルバムに収録される楽曲たちも生まれたんだ。
ジョナ：バンクーバー島で過ごしている間、誰もが「絶対にこうしなければならない」というプレッシャーを感じず、「とりあえずバンクーバー島に行って、何が起きるか楽しもう」というスタンスだったね。つまり、最初からアルバムを作ることが目的だったわけではなくて、「結果的にアルバムにつながるようなものが生まれたら、それはそれでいいよね」という心持ちだったんだ。
──「ピアースン」は、SNSやインターネット上で消費される映像ではなく、ギャラリーという空間で体験する作品として発表されました。なぜ、そのような発表方法を選んだのでしょうか？
マイキー：僕たちは普段、成果物をインターネットやSNSで公開されることを前提に作り、どうしても決められたフォーマットに合わせる必要が出てくる。だからこそ今回は、まだ何ができあがるのか分からない段階から、インターネット上に公開・投稿しないことをみんなで決めた。そうすることで、既存のフォーマットや他人からの評価を気にすることなく、時間をかけて、より純粋な形で創作に向き合うことができると思ったんだ。
──世界初公開の場として東京を選んだのはなぜでしょうか？
ジョナ：それは、今の僕が東京に住んでいるからだね。
マイキー：東京のあとは、ロンドンのアートスペースでも開催できないか検討しているところだよ。
──お二人は、今回の作品を体験した人々に、どのようなことを感じてほしいと考えていますか？ あるいは、特定のメッセージを伝えるのではなく、それぞれが自由に解釈した異なる時間を過ごすことを狙ったのでしょうか？
マイキー：ジョナが今住んでいる東京だけでなくロンドンでも言えることなんだけど、彼が育った場所に近い自然環境の感覚を、世界の反対側にいる人たちと共有できるというのは、すごく素敵なことだと思うんだ。しかも、それを文化的な背景や言葉によって説明するのではなく、感覚や感情を通じて共有できることに意味があると考えていて……。何て言えばいいんだろう、君ならどう表現する？
ジョナ：どこまでも広がる美しい大自然での体験を、東京のような人口が密集した場所に持ち込むことは、それだけですごく面白いと思うんだ。広大な自然のスケール感を、小さな部屋の中で表現すること。そして、長い時間をかけて行われたコラボレーションの感覚を、たった12分間に凝縮すること。それって、ある意味では同じことで、大きな体験を小さなものへと翻訳していくのは、すごく興味深いことなんだ。
誰かのためではなく、自分たちのために
──明確な成果を急がず、創作のための時間と空間を用意するという、現代のクリエイティブシーンでは非常に珍しい試みだったプロジェクトに、どのような価値を見出しましたか？
ジョナ：すごき大きな視点で話すと、アーティストであることや、芸術的であること、何かを創作する行為は、長い時間をかけて少しずつ、そして気づかないうちに目に見えない形で、ある種の決められた型にハマってしまうものになったと思うんだ。そこには明確に定義できる特徴があって、どうやって作品を作るべきか、どうすればアーティストになれるのか、ロードマップのようなものまで存在している節もある。アーティストとは“ただ部屋の中で何かを作る人”から、“毎日、一日中自分を宣伝している人”へと穏やかに変化し、周囲から期待され、自分自身にも期待を課してしまう。
つまり、定義可能なものになり、商業主義と絡み合ってしまったんだ。でも、そもそも創作という行為は、“アーティストであること”を目指して歩み始めるのではなく、自分を取り巻く環境や内面に対する反応として副次的に生まれるものだったはず。だからこそ、“作品に何かしらの明確な特徴や定義を持たせなければならない”という考えを取り払うことで、人は創作するという行為の純粋な原体験に還ることができるんじゃないかな。
そして、今回の「ピアースン」は、これまでの目に見えない変化を逆転させ、本来の姿に立ち返ることができた。アーティストであることについての決まり事や、知らず知らずのうちに身につけてきた固定観念をすべて取り去り、自分はこうあるべきだと期待するのではなく、自然体で生きて何かを作りたいと感じたら作る──本来の姿というか、理想的な在り方が正しいかな。
マイキー：ジョナの話にはとても共感するね。僕なりにまとめると、今回のプロジェクトで最も貴重だったことは……作品を公開して誰かに気に入ってもらわなければいけないとか、チケットを売らなければいけないとか、試されている感覚から解放されたことだと思うね。プレッシャーや期待から本当の意味で解放される時間を持てたことで、純粋に自分自身のための作品を作れるようになるんだ。でも、それは決して作品作りに手を抜くという意味ではない。“依頼を受けて作品を作ること”と、“自分たち自身のために自由に創作すること”の違いなんだ。
僕たちは、生きるために仕事をしているよね。ジョナはレコードレーベルと契約しているし、フランシスはコマーシャルの映像を作るし、僕も広告を手掛ける。つまり、みんなクリエイティブな仕事に携わっているけれども、純粋にアーティストとして作品を作る機会は、実はほとんどないんだ。だからこそ、今回のプロジェクトでは、あらゆるプレッシャーを取り払えたことが大きかった。そして面白いことに、プレッシャーがなくなったことで、むしろ普段以上に創作に打ち込むことができたんだ。だって、誰かのためでも、何かの目的のためでもなく、ただ自分たち自身のためにつくっていたわけだからね。
──最後に、「ピアースン」を振り返って、この経験はお二人に何をもたらしたと思いますか？
ジョナ：今回の経験をきっかけにマイキーと僕は、次のアルバムをビジュアル面でどのように表現するかについて、一緒に取り組むことになったんだ。そのプロジェクトでは、彼が中心となって指揮を執っている。それで、僕はふと素晴らしいことに気づいたんだ。君なら分かるでしょ？
マイキー：僕たちが友達ということだね（笑）。たとえば、今年の夏に僕の友人であるロイル・カーナー（Loyle Carner）が「フジロックフェスティバル’26（FUJI ROCK FESTIVAL'26）」のために来日した時、「熱海で一軒家を借りて、ジョナも呼んで一緒に音楽を作らない？」と提案したら、ごく自然な流れで実現した。今ではお互いの日常や活動にも関わるようになっていて、それがすごくうれしいんだ。きっと、これからもそんなことが何度も起こると思うと幸せだね。
